France
Paris
Qu’est-ce qui insuffle véritablement de la vie à une ville ? Chez CBA Design, nous croyons que ce sont les battements invisibles, les détails subtils, ces éclats d’authenticité qui façonnent son âme. Le design est partout : dans l’élégance d’une vitrine, la silhouette d’un bâtiment, ou le graphisme d’une affiche éphémère collée sur un mur. Il se cache dans les contrastes, entre l’art officiel et les créations spontanées, entre le connu et l’inattendu.
C’est cette essence que nous avons voulu capturer avec Pulse of the City, un city guide pensé comme un voyage au cœur de quatorze villes où nous sommes implantés, chacune avec son propre rythme et ses secrets. Plus qu’une simple exploration, c’est une immersion dans ce qui nous inspire chaque jour : des espaces empreints d’histoire, des détails qui nourrissent notre créativité et des espaces où nature, design et innovation se rencontrent.
Paris, capitale intemporelle de l’élégance, regorge de trésors où le design s’exprime sous toutes ses formes. Parmi ses joyaux, Bouillon Chartier, une adresse iconique, incarne l’essence même de l’Art Nouveau.
Ce mouvement de la fin du XIXe siècle, avec ses lignes courbes, ses motifs floraux et son rejet des formes rigides de l’architecture classique, fait de Bouillon Chartier un lieu où l’ornementation était reine : boiseries sculptées encadrant des miroirs gigantesques, céramiques signées Louis Trézel ornant les murs, et des luminaires métalliques ajoutent une touche aérienne.
Inscrit aux Monuments Historiques, ce lieu n’est pas seulement un restaurant : c’est un voyage à travers le temps, un hommage à une époque où l’art et l’artisanat se confondaient pour embellir le quotidien. Bouillon Chartier, c’est aussi une expérience culinaire profondément ancrée dans l’identité parisienne, où la tradition rencontre la générosité, et où l’histoire se savoure autant dans l’assiette que dans le regard.
New York, la ville qui ne dort jamais, est un terrain de jeu infini pour les amateurs de design. Ici, l’exubérance et l’élégance se croisent à chaque coin de rue. C’est dans ce tourbillon d’influences que nous avons découvert Oscar Wilde, un bar où le glamour victorien des années 1900 rencontre le maximalisme contemporain.
Le décor rend hommage à ce mouvement qui défie la sobriété en accumulant textures, motifs et couleurs. Entre boiseries sculptées, velours profonds et dorures éclatantes, chaque recoin du lieu est une fresque vivante de l’époque victorienne.
Le bar, long de 36 mètres – le plus grand de New York – invite à un voyage à travers le temps, où les détails luxueux se fondent dans une atmosphère résolument moderne. Les horloges figées à 1h50 rappellent subtilement le destin tragique de Wilde, tandis que le marbre de Carrare du comptoir s’inscrit dans une tradition artisanale intemporelle. Dans ce lieu, chaque détail est une déclaration où l’opulence et la contemporanéité dialoguent dans une harmonie exubérante.
Changement d’ambiance à Madrid, où la chaleur méditerranéenne se mêle à l’épure contemporaine. Dans cette ville vibrante où l’histoire dialogue avec la modernité, se trouve Casa Neutrale, une ode au minimalisme dans son essence la plus pure.
Le minimalisme, mouvement né du Bauhaus et nourri par l’esthétique japonaise du wabi-sabi, célèbre la simplicité fonctionnelle et la beauté des matériaux bruts. Ici, chaque élément du décor raconte cette quête d’essentiel : un sol en pierre naturelle, une table en granit massif et des murs vierges pour laisser la lumière sculpter l’espace. Loin du superflu, tout est pensé pour favoriser une atmosphère sereine, où l’œil peut se poser sans être sollicité de toutes parts.
Dans cet espace épuré, le temps semble suspendu, invitant à une pause contemplative. Plus qu’un café, Casa Neutrale est une bulle hors du tumulte, où la simplicité devient une expérience immersive, un dialogue entre sobriété et raffinement.
Ho Chi Minh-Ville, bouillonnante et en perpétuelle transformation, façonne une scène artistique où tradition et modernité s’entrelacent avec audace. De La Sól incarne cette dynamique créative : un espace hybride où galeries, cafés et boutiques coexistent en parfaite harmonie.
Ici, le passé et l’avenir se rencontrent dans une mise en scène architecturale saisissante. La façade préservée d’une villa historique témoigne du patrimoine, tandis qu’une structure contemporaine en acier et verre s’élève, reliée par un escalier en boucle aux lignes sculpturales. Ce jeu de volumes crée un équilibre subtil entre mémoire et renouveau, renforcé par des sculptures cinétiques extérieures qui transforment la lumière et l’espace en une expérience sensorielle.
Chaque détail invite à une lecture nouvelle de l’urbanisme en mouvement. Plus qu’une galerie, De La Sól est un manifeste où l’art, l’architecture et le design fusionnent pour refléter l’énergie d’une ville en pleine métamorphose.
Istanbul, carrefour des civilisations, dévoile ses trésors les plus précieux au détour de ses ruelles ancestrales. Parmi eux, le Hürrem Sultan Hamamı, joyau caché entre Sainte-Sophie et la Mosquée Bleue, incarne l’élégance intemporelle de l’Empire ottoman.
Construit en 1556 par le maître Mimar Sinan pour Roxelane, épouse du sultan Soliman le Magnifique, ce hammam est une ode au raffinement ottoman.
Réinventé après un siècle de silence, le lieu marie tradition et sophistication dans une mise en scène millimétrée. Marbre de Marmara, géométries pures, lumière filtrée par un dôme de 26 mètres : chaque élément a été pensé pour éveiller les sens et sublimer le rituel. L’organisation symétrique des espaces, novatrice pour l’époque, révèle déjà une vision du design comme équilibre, fluidité et fonction.
Ici, le corps se délasse, l’esprit voyage. Le Hürrem Sultan Hamamı raconte l’alliance entre mémoire et modernité, entre patrimoine et design émotionnel. Une expérience qui fait écho à notre manière de penser les lieux : sensibles, immersifs, habités.
Cap sur Milan, la capitale mondiale du design, où chaque rue révèle une nouvelle facette de la créativité. Au cœur de cette effervescence, Fornasetti incarne l’esprit visionnaire qui fait vibrer la ville.
Créée par Piero Fornasetti dans les années 1940, cette maison milanaise a redéfini les codes du design en transformant les objets usuels en véritables œuvres d’art. Chaque pièce, qu’il s’agisse d’un meuble, d’un plateau en porcelaine ou d’un papier peint, est marquée par un jeu graphique hypnotique : visages énigmatiques, compositions surréalistes, trompe-l’œil fascinants. L’héritage de Fornasetti, aujourd’hui perpétué par son fils Barnaba, établit un dialogue constant entre l’imaginaire et la réalité, entre héritage classique et audace contemporaine.
Dans la boutique historique de Milan, chaque objet semble raconter une histoire, convoquant des références culturelles et artistiques à travers un langage visuel unique. Ce lieu, à la frontière entre galerie et atelier, est une ode à l’invention et à l’audace créative, où chaque détail devient un manifeste du design.
Chez CBA, nous les accompagnons dans cette transformation, en traduisant leur vision en réalités tangibles — ancrées, inspirées et connectées. Car au-delà de l’esthétique, le design est un levier stratégique, un vecteur de sens et d’émotion, au service de marques plus humaines, plus connectées, plus culturelles.
Le monde du design a été inspiré par d’innombrables esprits créatifs, mais derrière de nombreuses œuvres emblématiques se trouvent des femmes pionnières dont l’impact sur le design est incommensurable. Ces femmes ont brisé les barrières, repoussé les limites et transformé les normes de l’industrie du design, contribuant ainsi de manière significative à son évolution.
Les histoires inspirantes et les réalisations remarquables de certaines de ces figures féminines ont joué un rôle central dans la formation du paysage du design, de l’architecture du mobilier, en passant par le design d’intérieur et bien au-delà. Leurs œuvres et leur héritage continuent de briller dans le firmament du design, inspirant les générations actuelles et futures à repousser les frontières de la créativité et de l’innovation.
Ses créations avant-gardistes, dont son célèbre fauteuil rond au design tubulaire « Bibendum », séduisent une clientèle élégante en quête de révolutions dans le domaine du mobilier. A la fin des années 30, Eileen Gray va se consacrer à la réalisation de son œuvre majeure, une villa au bord de mer baptisée E-1027, qui deviendra un joyau de l’architecture moderne. Décédée en 1979, Eileen est à ce jour la créatrice du deuxième meuble le plus cher de l’Histoire, avec son fauteuil dragon datant de la fin des années 20, vendu 21,9 millions d’euros aux enchères, en 2009.
Créatrice visionnaire, Charlotte Perriand demeure incontestablement l’une des personnalités incontournables de l’architecture et du design du XXème siècle. Née en 1903, Charlotte Perriand décide se tourner vers l’architecture à la suite d’un séjour à l’hôpital pour appendicite.
Designeuse certes, mais aussi et surtout humaniste engagée, elle va militer contre le fascisme et s’engage pour les classes populaires. Parmi sa pléthore de réalisations et d’engagements, il est essentiel de se rappeler de Charlotte Perriand en tant que pionnière qui a révolutionné la place de la femme dans la cuisine avec son concept audacieux de cuisine ouverte, conçu pour la Cité radieuse à Marseille, une idée radicale pour qu’on époque. Elle a démontré une fois de plus que le design va au-delà de l’expression artistique, constituant ainsi un puissant levier de changement social.
Au début du XXè siècle, naît Ray Eames, de son vrai nom Bernice Alexandra Kaiser Eames. Architecte, réalisatrice et designer américaine, elle exerce une influence majeure sur le mouvement Streamline, qui est le mouvement de l’époque Moderne visant à donner des lignes plus fluides aux meubles.
Bernice, diplômée en 1933, s’installe à New-York pour explorer sa passion artistique, suivant des cours de dans moderne et de peinture expressionniste jusqu’en 1939. En parallèle, elle fonde l’AAA (American Abstract Artists) en 1936, un groupe d’amateurs expressionnistes abstrait, et devient une figure majeure du mouvement.
C’est à l’Académie des Arts de Cranbook dans le Michigan que Ray va rencontrer son futur mari Charles Eames avec qui elle va concevoir des meubles uniques et se créer rapidement une solide réputation dans le milieu du design. Contrairement aux couples de designer de l’époque, leurs pièces majeures sont co-signées, telle que la Eames Lounge Chair. Malgré cela, l’Histoire a souvent eu tendance à ne retenir que le nom de Charles Eames.
Anna Castelli Ferrieri, architecte et designer italienne née à Milan en 1918, a marqué l’histoire de Kartell en tant qu’élève de Franco Albini et d’Ignazio Gardella. Elle fut l’une des premières femmes diplômées de l’Institut polytechnique de Milan. En tant que conceptrice du studio Kartell et directrice du design, elle a collaboré avec des figures telles que Joe Colombo et Marco Zanusso.
Sa rationalité dans la conception met en valeur les relations entre objets, optimisant l’espace et le rapport coût-prestation. Expérimentant constamment avec le plastique, elle a créé des produits en série accessible à tous, favorisant le stockage facile.
Lauréate de nombreux prix, dont le Compasso d’Oro, ses créations continuent d’être produites, témoignant de son impact durable. Son approche de conception, alliant l’utile à l’agréable, influence toujours de nombreux designers.
L’héritage exceptionnel laissé par ces femmes pionnières résonne encore aujourd’hui dans le monde du design contemporain. Leur ingéniosité, leur créativité et leur détermination ont transcendé les barrières du genre, ouvrant la voie à de nouvelles perspectives et remettant en question la place des femmes non seulement dans le domaine du design mais également dans notre quotidien. Leur impact se mesure non seulement à travers leurs créations emblématiques, mais aussi à travers l’inspiration qu’elles continuent d’apporter aux générations suivantes. Célébrer ces visionnaires rappelle l’importance de la diversité dans le design, invitant chacun à embrasser l’audace et l’innovation dans cette discipline intemporelle.
La photographie et le design, deux choses différentes ? Oui… mais non ! Si vous pensiez que ces deux domaines étaient étrangers l’un à l’autre, préparez-vous à être surpris.
Même si la photographie reste un art à part entière, elle sert pratiquement les mêmes causes que celles du design.
Nul besoin de les dissocier, car la photographie fait souvent partie intégrante du design, et joue également un rôle fondamental au service de celui-ci. 📸
Interessé.e ? On vous explique !
La photographie va bien au-delà de la simple capture de moments ; elle représente un langage visuel authentique qui donne vie à des récits visuels ! Pour les marques, c’est une occasion en or de communiquer avec leur audience afin de susciter des émotions fortes, d’éveiller la curiosité, et de laisser une empreinte mémorable dans l’esprit des citoyens.
Focus L’Europe dans ma région, réalisé par nos équipes en Belgique en collaboration avec la Commission européenne. Mission ? Faire vivre les différentes activités et campagnes initiées par l’institution sous une seule et même marque ombrelle.
L’agence a opté pour un cadre jaune, retrouvé sur tous les supports de communication, permettant de mettre l’accent sur la population, les monuments ou les projets des régions qu’ils présentent.
La photographie vient appuyer les propos de la Commission Européenne, permet de visualiser les causes portées par celle-ci, et déclenche une émotion de fierté auprès des Européens. 🇪🇺
Au-delà de l’émotion, la photographie permet de relayer l’information. Les marques, instituts ou associations n’hésitent pas à utiliser la photographie afin de mettre en lumière les problèmes sociaux ou environnementaux, et de communiquer leurs missions pour encourager l’action. Elle joue un rôle essentiel pour éveiller la conscience autour de thématiques telles que la pauvreté, les catastrophes naturelles, les conflits, la pollution, la déforestation et bien d’autres encore.
Les citoyens prennent conscience de ces sujets lorsqu’ils les voient « en vrai ». La photographie permet de toucher en plein cœur et susciter des émotions… aptes à déclencher l’action !
Focus sur la fondation française Pure Océan, pour lequel CBA a développé le branding et le packaging design de sa nouvelle action, la Goutte Bleue. Sa mission ? Contribuer à la lutte contre le réchauffement climatique tout en préservant la biodiversité marine.
La Goutte Bleue ? C’est un sac issu de matériaux recyclés destiné au ramassage des déchets sur les plages, en ville, à la campagne, à la montagne… avant qu’ils ne se déversent en mer.
Les photos impactantes des déchets, tels que les bouteilles en plastique ou les masques dans la mer ou sur la plage, permettent de visualiser l’impact de l’Homme sur l’écosystème marin, et de sensibiliser les consom’acteurs aux problématiques environnementales.
Belle initiative, non ? ♻️
Outil puissant de communication visuelle, la photographie offre la possibilité de mettre en lumière et de célébrer la richesse de la diversité humaine sous toutes ses formes. En mettant l’accent sur les points communs et les différences qui font la richesse de chaque individu, les marques s’emparent de la photographie pour sensibiliser aux stéréotypes et promouvoir l’inclusion. Bref, nous redonner le pouvoir, enfin !
UNILEVER, pour lequel nos bureaux de Singapour, Londres et Paris se sont associés afin de développer la nouvelle identité visuelle de l’une de ses marques phares d’hygiène féminine corporelle, LUX, l’a très bien compris !
Le but ? Inspirer les femmes à s’élever au-dessus des jugements sexistes et à exprimer leur beauté et féminité… sans complexe ! ✊
Des femmes fortes, aux multiples facettes, sont au cœur de la marque. Des femmes qui respirent la confiance et le glamour en refusant d’être définies ou limitées par leur beauté.
Les visages mis en avant reflètent les femmes des générations Millennial et Gen-Z, auxquelles s’adresse la marque.
En montrant une variété de visages authentiques, la photographie contribue certainement à une meilleure représentation de la société… dans toute sa diversité !
C’est le nombre de déchets générés par le secteur du bâtiment annuellement, soit 1,5 x la production de déchets ménagers des Français – selon le Ministère de la transition écologique. Ce secteur à lui-même extrait plus de 30 % des ressources naturelles de la planète, au niveau mondial !
On l’aura donc tous compris : le développement durable concerne aussi bien les constructions de demain. Stop aux chantiers de béton qui engendrent de la pollution ; place à la prise de conscience de l’impact environnemental dans le secteur du retail.
Et le design dans tout ça ? En puisant ses sources dans la mère nature, le design durable repense l’impact écologique des espaces et considère l’ensemble du cycle de vie des matériaux, depuis leur conception jusqu’à leur élimination.
Ça vous inspire ? Focus sur le top 5 des matériaux éco-responsables pour un retail durable.
Matériau de construction traditionnel, la terre crue enduite fait son grand retour dans les constructions d’aujourd’hui. Composée de terre argileuse mélangée à des fibres végétales, elle est principalement utilisée dans la construction en blocs ou en briques.
Non seulement la terre est une ressource naturelle renouvelable, mais elle offre également une excellente isolation thermique et régule l’humidité, contribuant ainsi à un climat intérieur sain et économe en énergie. Bref, elle est abondante, bon marché et écologique !
Issus de l’industrie du chocolat, il est possible de transformer les déchets de fèves de cacao en un matériau de construction durable que l’on applique sur les murs, les sols ou les plafonds ! Il est mélangé à du sable et du ciment pour renforcer sa résistance et sa durabilité.
L’avantage ? Les déchets de fèves de cacao sont une alternative écologique aux déchets industriels engendrés par le secteur du chocolat, et offrent une durabilité et d’excellentes propriétés d’isolation thermique.
Un matériau qui allie style et performance ? Ne cherchez pas plus loin que le fibralith ! Composé de panneaux en bois compressés et minéralisés, ce dernier offre une excellente isolation thermique et acoustique, tout en étant fabriqué à partir de ressources renouvelables.
Et, cerise sur le gâteau, il nécessite moins d’énergie pour sa fabrication que de nombreux autres matériaux. Le bois utilisé dans les dalles de fibralith contribue également à la réduction des émissions de carbone. Isolation et durabilité en un seul package ? Oui, s’il vous plaît !
Connue sous le nom de Piñatex, la fibre d’ananas est la parfaite alternative durable au cuir traditionnel, de plus en plus adoptée par les adeptes de la mode éthique et végan !
Cette matière novatrice est fabriquée à partir des feuilles d’ananas, souvent considérées comme un sous-produit agricole ou un déchet. Son processus de fabrication contribue à réduire l’empreinte écologique de l’industrie du textile – que ce soit la mode ou l’ameublement.
En panne d’inspi déco ? Optez pour le terrazzo ! Fabriqué à partir de fragments de marbre, de granit ou de verre, incorporés dans une base de ciment ou de résine, le terrazzo offre une variété infinie de motifs et de couleurs. En plus d’être durable et résistant à l’usure, il permet également de recycler des déchets de pierre et de verre.
CBA Design a accompagné Valrhona dans le développement du concept retail de sa boutique à Paris -un lieu immersif et sensoriel. Ayant comme objectif de valoriser les engagements RSE de la marque (B Corp), CBA a créé un lieu hybride entre espace marchand et espace de découverte.
Les structures de la boutique ont été conçues avec les 5 matériaux cités !
Bravo à l’équipe Retail & Architecture de CBA Paris ! 🔥
En tout cas, une chose est sûre : il existe bel et bien une alternative eco-friendly aux matériaux de construction que l’on connaît ! De la terre crue à la fibre d’ananas, la nature nous offre une multitude de ressources qui inspire le monde du design.
Le but ? Concevoir des concepts de retail durables, réduire l’empreinte carbone des espaces et, surtout, créer des expériences client immersives et responsables.
Et vous, quel est votre matériau préféré parmi ce TOP 5 ? 👀
